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Digo grande, no solamente porque es un referente en cuanto a música sinfónica sino porque Alan Parsons (el alma de Alan Parsons Project junto a Eric Woolfson y posteriormente Andrew Powell) es grande, muy grande. Lo menos 2x2.
Tuve el gustazo de ir a un concierto suyo con mi hermano hace unos años, nada menos que a Benidorm, en Terra Mítica, en el auditorio romano, la verdad es que el enclave era bastante chulo. No conocía físicamente a Parsons, y me quedé impresionado cuando vi aparecer a un "monstruo" de 2 metros con barba y un pelo largo rizado hasta los hombros que llevaba una guitarra española que parecía de juguete.
Bien, por si no conoceis la música del Alan Parsons Project, contar que cada disco tiene una temática particular que intentan reflejar en música.
Por ejemplo el primer disco del duo, Tales of Mistery an Imagination se basa en los relatos de Edgar Allan Poe, el segundo, el que nos ocupa, I Robot, se basa en los relatos de Isaac Asimov. Pyramid, basado en las supuestas propiedades mágicas de las pirámides. En Eve, la temática gira entorno a la mujer y sus efectos sobre el hombre, de hecho es el ¿único? disco del project que cuenta con voces femeninas (Clare Torry por ejemplo, la podemos encontrar también en The Great Gig in the Sky del Dark Side of the Moon de Pink Floyd, disco en el que Parsons trabajó como ingeniero de sonido). The Turn of a Friendly Card, se basa en los juegos de cartas, los tramposos, casinos, etc...
Un poco sobre el Project.
Alan Parsons desde pequeño tuvo intereses musicales, aprendiendo a tocar varios instrumentos, y de joven se empleó en los estudios EMI, como ayudante del ingeniero, ayudando a grabar, entre otros los últimos 2 discos de los Beatles, el Abbey Road y el Let It Be.
Como curiosidad, en la última interpretación en directo de los Beatles en la azotea del edificio, se puede ver a Parsons realizando labores de técnico de sonido.
Un poco más tarde, como ingeniero de sonido colaboró, entre otros, en el Dark Side of the Moon de Pink Floyd o en el Year of the Cat de Al Stewart.
Con su compañero ingeniero Eric Woolfson decidieron crear una "sociedad" que compondría canciones sobre una temática en particular para que otros músicos las interpretaran y con ellas grabar discos temáticos. Nació Alan Parsons Project.
Más tarde se añadió al duo, Andrew Powell, que hacía de arreglista y gracias a él hay tanto pasaje clásico en los temas del Project, coros líricos, orquestas, arpas, etc...
Centrandonos en los temas que nos ocupan, he decidido incorporar al blog 3 temas del disco I Robot de 1977. Para mi uno de los mejores del Project.
Las dos primeras canciones del disco, I Robot y I Wouldn't Want to Be Like You son de esas canciones que no concibes separadas. Descargalas aqui y aqui.
I Robot es la canción instrumental que abre el disco y es una obra maestra de ingeniería musical manejando instrumentos tradicionales, voces corales, sonidos sintetizados, efectos de amplitud espacial con retardos en los canales stereo. A mi parecer, es una de las mejores aperturas de albumes de la historia.
Hay que oirla, 30 años después no pierde su originalidad, maestría y modernidad.
El tema enlaza directamente con I Wouldn't Want to Be Like You, éxito del álbum.
Tema cantado que toca por primera vez el concepto del álbum, los Robots.
Hay un poco de controversia acerca del punto de vista de esta canción, de hecho en una entrevista a Woolfson y a Parsons, se vió reflejado que cada uno de ellos tenía una visión distinta del tema.
Woolfson decía que la canción la cantaba una maquina que le decía a un humano que no quería ser como él. Parsons opinaba lo contrario, el humano no quería ser como el robot. Cada uno que interprete lo que quiera. A mi el párrafo que mas me gusta es el primero:
If I had a mind to I wouldn't want to think like you And if I had time to I wouldn't want to talk to you
I don't care What you do I wouldn't want to be like you
Si tuviera una mente No me gustaría pensar como tú Y si tuviera el tiempo No me gustaría hablar contigo
No me importa Lo que hagas No me gustaría ser como tú
A parte de estas dos piezas, me gustaria incluir el tema Don't Let it Show. Descarga aqui.
Cuando lo oyes, te parece una balada romanticona, pero una segunda audición te hace valorar el cambio de melodía que sufre el tema pasando de ser una balada inicialmente al cambio radical que sufre en sus últimos 30 segundos.
De todas maneras, aunque parezca una canción de amor, yo pienso que (siguiendo con el tema de los robots), el tema trata de la lucha interna de una máquina que tiene propios pensamientos y sentimientos pero que no debe mostrarlos al exterior ya que podrían violar las 3 leyes fundamentales de los robots dictadas por Asimov (Aqui se me ha ido un poco la pinza).
No podía hablar de I Robot, sin incluir este tema, se aceptan críticas.
Os dejo un enlace a una página que he encontrado donde se hace una revisión completa del álbum, en castellano, con todas las letras y traducciones de las mismas, espero os guste.
Después de un largo parón, voy a retomar el análisis de canciones.
Escusas, ninguna, ganas muchas pero ... Tiempo, siempre el maldito tiempo.
Debido a este tiempo en "paro", seguramente los enlaces anteriores del blog no estén ya disponibles. Por favor si estais interesados en conseguir alguno de los temas/discos publicados anteriormente, podeis mandarme un correo a songbuster arroba gmail.com
Bueno, al grano. Os presento a Sir Elton John. Mucho antes de ser sir, tenía la pinta que se gasta en la portada de su disco Rock of the Westies.
El disco fue lanzado a finales de 1975 aún en la época del binomio John/Taupin (Musica / Letra) y contenía, entre otras, esta canción, Grow Some Funk of your Own
La verdad es que no es un artista que me guste en demasia, lo aguanto, pero no es de mis preferidos, sin embargo siento predilección por este disco y me gustan todas sus canciones.
Esta, en concreto, se sale un poco del estilo de Elton John del cual podemos esperar baladas con piano o rocks sencillos, pero este Grow Some Funk of your Own sorprende un poco por su "dureza".
No espereis nada tipo AC/DC o Metallica, pero evaluad si es una típica cancion "Johniana" o no.
La cancion comienza con un par de guitarras eléctrica distorsionada, un piano al fondo, y el bajo en un ritmo bastante pegadizo.
Entra la letra y ya es bastante rítmica, con su estribillo pegadizo y un fondo de guitarras distorsionadas apuntalando la voz.
El tema es bastante simple, trata de un personaje que visita México y en una "little cantina" conoce una "señorita":
When along came a señorita
She looked so good that I had to meet her
I was ready to approach her with my English charm
When her brass knuckled boyfriend grabbed me by the arm
Cuando vino una señorita
Que tenía tan buen ver que tuve que conocerla
Estaba a punto de acercarme a ella con mi encanto Inglés
Cuando el "cachas" de su novio me cogió por el brazo
El novio le "invita" a que desarrolle su encanto allá de donde viene y coja el primer vuelo, ya que sino habrá una muerte más en México esa noche. Él pide ayuda a sus amigos, pero estos pasan de él, así que se pone de rodillas y le implora al cachas. Tiene algunas palabras en castellano, ya que el progtagonista de la historia se supone que está en Mexico, además, en el estribillo, cuando se supone que habla el cachas, la frase me hace el efecto que está mal construida como si el personaje Mexicano no hablara bien Inglés.
And he said grow some funk of your own amigo Grow some funk of your own We no like to with the gringo fight But there might be a death in Mexico tonight
El disco completo no tiene desperdicio, pero prefiero dedicarme a analizar otras canciones que a "perder" el tiempo subiendo discos, que se pueden "conseguir" por otros medios. Si teneis oportunidad escuchadlo completo, que tiene joyas como I Feel Like a Bullet (In the gun of Robert Ford), gran balada o el Medley de 3 canciones que inicia el disco, y otras muchas. Un buen hallazgo hacedme caso.
Segunda parte del post sobre The Man & The Journey. La primera parte está aqui.
En esta parte vamos a hablar de The Journey. El viaje. Es la parte de la "obra" en la que el personaje The Man se queda dormido y tiene sueños, estos sueños se reflejan en cada una de las canciones de la segunda parte.
Esta parte me gusta más que la primera ya que no hay tanta improvisación, es más musical. Aqui la lista de canciones:
The Beggining. Versión de Green is the Colour del album More. Canción con clara connotaciones a la droga, como todo el álbum. Puede ser que The Journey también se refiera a un "viaje" dentro de la droga. La versión en directo es algo más dura que la de estudio y encaja completamente con la siguiente canción, Careful with that Axe, Eugene. Pink Floyd usaría esta combinación de temas durante muchos directos a lo largo de los años 70. Letra.
Beset by Creatures of the Deep. A continuación de Green is the Colour, se interpreta Careful with that Axe, Eugene cuya traducción literal sería Cuidado con ese hacha Eugenio. Este tema no fue editado en estudio, en la discografía oficial solo aparece en la parte en vivo del Ummagumma y en la banda sonora de Zabriskie Point. El significado dentro de The Journey, si alguien lo sabe, que lo comente. En esta versión Waters no canta la única frase de la canción, la que da titulo a la misma.
The Narrow Way. Beset... termina con un fundido a viento, como en Shine on you Crazy Diamond y enseguida comienza The Narrow Way. Oficialmente aparece en el segundo disco de Ummagumma y es la 3ª parte de la suite The Narrow Way compuesta por David Gilmour. El primer párrafo de la Letra se oye muy mal, pero poco a poco va subiendo el volumen.
The Pink Jungle. Yo la titularía "Sonidos guturales", ya que el principio del tema es una serie de sonidos realizados con la boca, chisteos, gritos, etc... acompañados de percusión y teclados. Oficialmente es Pow R Toc H del disco The Piper at the Gates of Dawn y no tiene letra inteligible. A mitad del tema explota la guitarra eléctrica de Gilmour y se improvisa con la misma, hasta que termina con un grito final.
The Labyrinths of Auximines. Sobre un ritmo muy parecido a Let There Be More Light del Saucerful of Secrets se improvisa psicodelicamente. Muy floydiano. A mitad de tema se acaba la música y se oyen sonidos, Pink Floyd debe estar representando algo en escena. No sé de que se trata, pero al final se oye una explosión.
Behold the Temple of Light. Inmediatamente después de la explosión se oyen acordes de guitarra. Comienza Behold the Temple of Light a la cual no encuentro simulitud con ningún otro tema Floydiano.
The End of the Beggining. Termina el sueño de The Man y lo hace con la última parte de A Saucerful of Secrets, llamada también Celestial Voices. Bastante buena interpretación del tema, aunque personalmente me gusta mucho más la versión en Directo del Ummagumma.
En definitiva, The Man and the Journey es un disco experimental no oficial que no debe faltar en la discografía de los fans de Pink Floyd. Espero os guste.
¿The Man & The Journey? ¿Qué es The Man & The Journey? No es ninguna canción ni ningún disco de Pink Floyd, pues si y no.
Os voy a hablar de un proyecto, el proyecto The Man & The Journey.
Si soys muy fans de Pink Floyd seguro que habreis oido hablar de él ya que habreis buscado en la red y hay muchas, pero muchas referencias al mismo, pero si no soys extremadamente fans, os hablo un poco de ello y os pongo los temas para que los oigais.
Estamos hablando del año 1969 en plena era psicodélica de Pink Floyd decidieron hacer un show en vivo llamado The Massed Gadgets of Auximenes - More Furious Madness from Pink Floyd. En él, el cuarteto improvisaba temas de sus primeros álbumes, The Piper at the Gates of Dawn, Saucerful of Secrets y More además de avanzar algunas canciones que después formarían parte del disco Ummagumma.
Dado el caracter innovador de Pink Floyd, el show no solo consistía en tocar música, era todo un espectáculo de luz y sonido con performances por en medio, por ejemplo, construían una mesa con sierras y martillos y luego se tomaban el té en ella.
Todo esto se puede medio intuir en los archivos que os dejo a continuación.
El show constaba de dos partes, la primera, The Man trata de un hombre que se despierta, va a trabajar, se relaja se duerme y tiene una pesadilla. Se refleja en las siguientes canciones:
Daybreak. Primera canción del show en la que se supone que The Man se despierta. Oficialmente, la canción es Grandchester Meadows del álbum Ummagumma, aunque bastante extendida en esta interpretación en vivo. Letra.
Work. The Man se va a trabajar, en esta parte, únicamente escuchamos percusión y un xilófono, además se oyen ruidos de sierras y martillos. Pink Floyd está construyendo una mesa en el escenario. Le sigue Teatime, la cual no está en la grabación que yo os cuelgo, se supone que The Man se toma un respiro del trabajo y se toma un té. Pink Floyd toma un té en el escenario.
Afternoon. Por la tarde, The Man pierde el tiempo. Oficialmente es Biding My Time del álbum Relics. Muy recomendada, sobre todo el solo final de guitarra con el trombón tocado por Rick Wright el cual no se aprecia mucho en esta grabación pero sí en la oficial, os pongo un enlace. De las mejores del album. Letra.
Doing It. No se que representa esta parte en el show. ¿Haciéndolo? Se trata de una parte en la que la percusión va de menos a más, puede que refleje que The Man está haciendo el amor antes de irse a dormir. Oficialmente es The Grand Vizier's Garden Party (Entertainment) de Ummagumma.
Sleep. The Man se va a dormir. En la grabación que os incluyo se oye al speaker de la radio Holandesa que está retransmitiendo el show. Una transcripción de lo que dice traducida del holandés al ingles la podeis ver aquí. Oficialmente esta canción es Quicksilver del album More.
Nightmare. Fin de la primera parte del show en la cual The Man tiene una pesadilla. La canción oficial es Cymbaline del album More. Letra. Muy bien adaptada la temática de la canción al show... Please wake me. Por favor despiertame. Segunda recomendación del álbum.
Os dejo el enlace a la primera parte del show, se trata de un RoIO, es decir una Grabación de Origen Indeterminado/Ilegítimo (Recording of Indeterminate/Illegitimate Origin), en este caso de una retransmisión del Show realizado por Pink Floyd el 17 de Septiembre de 1969 en el Concertgebow de Amsterdam y radiado por la cadena de radio holandesa, VPRO.
La canción sobre la cual os voy a hablar un poco es el inicio de una saga: Taurus I. Pertenece al disco QE2 de 1980 y es la que abre el disco.
A Mike Oldfield, yo lo llamo el mago de las melodias, y esta canción es un claro ejemplo de lo que quiero decir. Se inventa una melodía y la interpreta una y otra vez con distintos instrumentos hasta que casi (digo casi, nunca llega) te cansa, en el momento justo en que puede empezar a cansarte la repetición, cambia radicalmente de ritmo y de melodía. Empieza otra nueva melodía o cambia algo de la anterior para no aburrirte. Más adelante vuelve con la misma melodía o la pone en segundo plano, todo esto con ritmo y cadencia variante, y distintos instrumentos cada vez.
Podeis encontrar un ejemplo claro de lo que digo en esta canción desde el minuto 1:12 hasta el minuto 3:30, la guitarra eléctrica distorsionada repite la misma melodia incansablemente una y otra vez, pero cada repetición es distinta ya que Oldfield añade arreglos distintos cada vez. Empiezan únicamente las electrica ( yo detecto 2, mínimo), se le añade un banjo y más adelante otra electrica más aguda variando la melodía, hasta que acaba cuando ya parece que odias la misma repetición.
Taurus I tiene sus secuelas en discos posteriores de Mike Oldfield, Taurus II en el disco posterior (Five Miles Out) y Taurus III en el siguiente (Crisis). La más larga de todas, Taurus II, casi 25 minutos.
Mike Oldfield, niño prodigio de la música, multiinstrumentalista, compositor, con solo 20 años compuso Tubullar Bells , obra maestra de la música instrumental en la que Oldfield toca virtualmente nada menos que 30 instrumentos.
En esta canción en concreto toca los siguientes: Mandolina, Bajo, Sintetizadores, Banjo, Arpa Céltica, Maquina de Percusión, Timbales, Guitarras Eléctricas, Pedales de Bajo (Taurus), Pianos, ¿Claptrap? yVocoder.
Como curiosidad, la batería de Taurus I, asi como de otras canciones del QE2, la toca Phil Collins.
La he oido esta misma mañana en la radio y me he dicho, ya es hora de postear a The Who. Baba O'Riley es la primera canción del disco Who's Next que la banda The Who grabó allá por el 1971.
Who's Next es el siguiente álbum después de la ópera rock Tommy y es el resultado de un proyecto infructuoso del guitarrista de la banda Pete Townshend, el Lifehouse. El proyecto Lifehouse fue una ópera rock de ciencia ficción que Thw Who pretendía grabar como continuación de Tommy. El proyecto fué abandonado en aquella época y muchas de las canciones se utilizaron en el Who's Next y otras en discos posteriores. Pete Townshend retomó el proyecto en 1978, en el 2000 y en el 2007. Mas información aqui.
La canción en sí, comunmente y mal llamada también, Teenage Wasteland, comienza con un solo de sintetizador tocado por Townshend, a los 40 segundos aproximadamente, el piano comienza con unos acordes y se une la batería del malogrado Keith Moon. Un gran comienzo que da paso a la parte vocal, cantada, como no por Roger Daltrey y al bajo de John Entwistle, toda la melodia acompañada siempre por el sintetizador de fondo.
Cuando acaba la parte vocal un pequeño solo de guitarra da paso a un solo de violín ideado por Moon e interpretado por Dave Arbus, este solo de violín da paso al final de la canción convirtiendola a un estilo folk. Este solo de violín es reemplazado por un solo de armónica, tocada por Daltrey, en las frecuentes interpretaciones del tema en vivo por la banda.
La letra de la canción, muy escuetamente nos habla de la basura (waste) y repite frecuentemente la frase Teenage Wasteland, tierra de adolescentes. Townshend dijo que se inspiró en la letra cuando veía a la gente de su alrededor quejandose de los problemas del mundo pero sin hacer nada para intentar resolverlos.
A mi me gusta este párrafo, pequeño, pero me recuerda a My Generation ( I hope I die before I get old):
The exodus is here,
The happy ones are near
Let's get together,
Before we get much older
El éxodo está aqui,
Los felices estan cerca, Vamos a estar juntos, Antes de estar demasiado viejos
Como curiosidades, la más actual, si sois seguidores de C.S.I. , una versión de Baba O'Riley es el tema central de C.S.I. Miami, al igual que Won't Get Fooled Again es el de C.S.I. Miami y Who Are You el de C.S.I. Las Vegas. El nombre de la canción viene de la combinación de dos personas influyentes, filosóficamente y musicalmente en el tema, (Meher) Baba y (Terry) Riley.
Nos movemos al 1992, año de las Olimpiadas en Barcelona, la Expo de Sevilla, el 5º centenario del decubrimiento de América, Freddie Mercury haciendo gallitos con la Caballé y su Barcelona!!! (por supuesto, los Manolos con el "Amigos para siempre") Pues bien, allá por Mayo de este año se editó en E.E.U.U. un disco llamado The Southern Harmony and Musical Companionpor un grupo desconocido para mi hasta hace poco llamado The Black Crowes.
Dentro de este disco, una de las canciones que destacaron y que hicieron famoso al grupo por todo el mundo fue este Remedy.
Podemos destacar de esta pieza las progresiones de acordes en la guitarra de Rich Robinson (hermano del cantante Chris Robinson, fundadores de la banda) y los coros tipo gospel en el estribillo de la canción. La ralentización en el ritmo de la parte central del tema, con el nuevo miembro del grupo, un organista a tiempo completo, hacen que la canción tome aire antes de cerrarla definitivamente.
Las letras hacen referencia a "algo" que necesitas como remedio, ¿sexo?, ¿drogas?,
Can I have some remedy, Remedy for me please. 'Cause if I had some remedy I'd take enough to please me
Puedo tomar el remedio, Remedio para mi, por favor. Porque si tuviera el remedio Tendría suficiente para satisfacerme.
Que cada uno saque sus propias conclusiones. Bueno, aqui os dejo un fragmento de 30 segundos para escucharla "en vivo", y un enlace para descargar este "must" del rock.
Aqui está el enlace para el disco completo de Camel.
Se trata del Breathless de 1978. No es el disco que más me gusta de la banda, pero fue el primero que escuché, ya que estaba por casa en formato LP desde que tengo uso de razón (musical). Gracias Vicen.
Si no conociais al grupo, una buena oportunidad de iniciaros es esteBreathless.
¿Os gusta el rock progresivo/sinfónico? Entonces seguro que habreis oido hablar de Camel. ¿Os gusta mucho el rock progrsivo/sinfónico? Entonces me criticareis por poner esta canción de Camel.
Bueno, para los no iniciados, Camel es un grupo de rock sinfónico/progresivo de principios de los 70, aunque siguen en activo y hace poco hicieron una gira mundial.
La canción que he elegido postear aqui no es un claro ejemplo de rock progresivo pero es una de mis favoritas de Camel por su solo final de guitarra, nada espectacular, pero me encanta.
En cuanto la escucheis os dareis cuenta de que parece un poco popera, discotequera, pero con su ambiente jazz progresivo que envuelve las canciones de Camel.
Un final escepcional con solos de guitarra y teclados de manos de Andy Latimer (corazón de la banda inglesa) y Peter Bardens (ultimo álbum de Camel en el que participó).
Las letras reflejan un espíritu ligero, romántico de noches de verano, no tienen nada de especial, como el resto de la canción, pero me gusta mucho el conjunto.
Por las fechas en las que estamos, viene bien algo "ligerito" como puede ser Summer Lightning, espero la disfruteis bajo una sombrilla en la playa o en una terracita de verano degustando vuestro refresco favorito.
Como viene siendo habitual os posteo el disco completo después de hablar de una canción del mismo. En este caso, el disco es Love Over Gold de Dire Straits.
Después de un Junio poco productivo, nos metemos en Julio en que espero tener más inspiración.. Además, llevaba tiempo intentado poner un post de Dire Straits, pero no se me ocurria ninguna canción que se ajustara a la "filosofía" de este blog, hasta que Paco (Jabbar) me ha dado la magnífica idea de postear sobre It Never Rains. Para los que conozcais a Dire Straits "por encima" creo que es buena oportunidad para presentar la calidad de esta canción y en conjunto del disco entero que consagró a la banda de Knopfler en lo alto de las listas de Rock and Roll. Es por esto por lo que invito a los que no habeis oido esta canción que lo hagais y disfruteis de los mejores momentos de Dire Straits.
Incluida dentro del disco Love Over Goldde 1982, es la última canción del disco de solo 5 canciones que incluye exitos como la larga Telegraph Road con 14 minutos de auténtico rock sinfónico ó la comercial (single del disco) Industrial Disease, sin olvidarnos de la magnífica Private Investigations y su guitarra española.
Siempre pienso que si en la época en que Dire Straits grabó Love Over Gold hubiera existido el CD, otro gallo hubiera cantado. Me explico, en aquella época se grababan las canciones y después se "cortaban" para poder meterlas en un LP, máximo 25 minutos por cara del LP, por tanto los grupos no se podian extender mucho en sus grabaciones o tenian que sacar un doble LP, más costoso para las discográficas.
Yo pienso (ojo, es opinión personal) que si hubieran podido grabar más tiempo en el LP, It Never Rains hubiera sido un segundo Telegraph Road. Le faltan minutos de gloria.
Os pongo un enlace a las letras, que son muy densas. Nunca he sido muy bueno interpretando letras, y esta se me resiste especialmente, agradezco comentarios sobre ¿de que va esta canción?.
En cuanto a la música, Dire Straits en pleno apogeo, con su nuevo segundo guitarrista Hal Lindes (sustituyendo al hermanisimo de Knopfler, David) , un Mark Knopfler inspiradísimo, John Illsley al bajo en segundo plano, como siempre, pero junto con Pick Withers muy buena seccion rítmica, y a los teclados Alan Clark que en esta canción tienen gran protagonismo también.
Siguiendo con el tema de las longitudes de los discos, es una pena que en el siguiente disco de la banda Alchemy: Live (uno de los mejores discos en vivo de la historia) no pudieran incluir ningún registro de It Never Rains , ya que fue tocada en casi todos los shows de la gira de Love Over Gold. Por tanto, no existen registros oficiales de esta canción en vivo, pero seguro que hay algún disco pirata que la contiene. Se agradecería una aportación.
Bueno, lo dicho, si no la has escuchado, aquí tienes tu oportunidad:
Se que solo una canción y más con la calidad de Locomotive Breath , deja buen sabor de boca, pero necesitás más. Os dejo un enlace de Rapidshare para descargar el álbum completo, así podreis disfrutar de todas las maravillosas canciones de este disco. Las que más me gustan a mi:
No estoy seguro del todo sobre como interpretar el contenido de esta canción. Como todas las del disco Aqualung de Jethro Tull (para mi el mejor de la banda de Ian Anderson) tiene mucho más que música, es una historia por si sola.
En este caso, por favor, corregidme o aportad teorias nuevas , para mi trata de un hombre que está a punto de suicidarse tirandose a las vias del tren. Es por esto por lo que la canción se llama Locomotive Breath, una posible traducción sería, El Aliento de la Locomotora, queriendo significar que esta persona siente el aliento de la locomotora poco antes de morir atropellado por ella.
Su mujer le engaña con su mejor amigo y el se siente un perdedor.
His woman and his best friend, In bed and having fun. He's crawling down the corridor, On his hands and knees.
Su mujer y su mejor amigo, En la cama pasandoselo bien. Se arrastra por el pasillo, Sobre manos y piernas
Tanbién hay referencias a Dios y a la biblia (la biblia de los Gedeones), un ejemplar de Biblia que está en muchos moteles baratos de EEUU. De hecho, toda la canción habla de que viejo Charlie robo la palanca y el tren no parará (Old Charlie stole the handle, and the train won't stop ...), excepto en el último párrafo que dice Dios robó la palanca y el tren no parará (God stole then handle, ...). Os dejo el enlace a la letra para que la estudieis y me hagais comentarios (a ver si es verdad).
En cuanto a la música, la canción comienza con un piano a bajo volumen haciendo variación sobre los acordes principales del tema, subiendo de ritmo y de volumen y acompañado de un solo de guitarra acaba en una especie de fader que te envuelve de derecha a izquierda para dar paso a la guitarra distorsionada protagonista de la canción. Se suceden los 3 acordes principales de los versos y los del coro, acompañados de otra guitarra haciendo aportaciones. Después del segundo verso y coro, como no podia ser menos, solo de flauta del amigo Anderson, magnífico, como todos. Curiosidad, en el tercer verso, aparece un sonido como de pedorretas o grillos, no sé exactamente que es pero notable por el canal izquierdo, si alguien sabe de que se trata, comentario al canto.
Bueno, aqui os dejo un fragmento de 30 segundos, y un enlace por si la quereis descargar completa.
Aunque no es el propósito principal del blog, visto que he recibido varias peticiones sobre el posteo de este magnifico disco, lo he dejado en Rapidshare. Aqui teneis los links a las canciones del primer disco y el segundo disco completo en un fichero zip. Espero que os guste.
Barbudos, Rockeros y Sureños, estos son ZZ Top, o como sus fans cariñosamente los llaman: That little ol' band from Texas (Esa vieja y pequeña banda de Texas).
Además de por sus barbas, estos americanos sureños también son conocidos por el diseño de sus guitarras, a cual más extravagante, codiseñadas muchas de ellas por el maestro luthier John Bollin.
Bily Gibbons y Dusty Hill (los dos guitarras) siempre aparecen en escena con gafas de sol, ropa casi idéntica y largas barbas. Gillete (la firma de cuchillas de afeitar) llegó a ofrecerles un millón de dólares por afeitarse la barba en un anunció de televisión, ellos rechazaron la oferta.
La Grange, una de sus canciones más conocidas, repetitivas y pegadizas. Seguramente todos la habreis escuchado, o bien directamente de ZZTop o en alguna de sus versiones, o en películas, videojuegos, etc... Hay muchas versiones y muchas apariciones de esta canción, una de las más conocidas es en Armaggedon de Bruce Willis. Grabada para el tercer álbum del grupo, Tres Hombres, de 1973, es un blues de un solo acorde basado en la canción Shake Your Hips de Slim Harpo, la cual fue versionada posteriormente por los Rolling Stones para su álbum Exile on Main Street.
Versión de Slim Harpo
Versión de los Rolling Stones
También se basa en Boogie Chillen de John Lee Hooker, canción en la cual se basan una gran cantidad de canciones rock/blues posteriores gracias a su pegadizo riff inventado por John Lee Hooker. La letra de la canción habla de un burdel situado a las afueras del pueblo La Grange en Texas, Dallas, Estados Unidos.
Este burdel, conocido como Chicken Ranch (El rancho de las pollitas), es el tema principal de un musical de Broadway que dio paso a una película titulada The Best Little Whorehouse in Texas (La mejor casita de putas de Texas ó como el título en español, "La Casa más divertida de Texas"), protagonizada por Dolly Parton y Burt Reynolds. En cuanto a la música, las dos guitarras de los barbudos se disputan la canción realizando los ritmos y solos de la misma. El ritmo es constante, muy pegadizo y fácil de interpretar ya que únicamente consta de un acorde. Es una canción simple, contrapuesta a la complejidad mostrada en los ultimos dos posts, Confortably Numb y sobre todo Firth of Fifth, pero muy resultona. Para que veais que me gusta de todo, aqui la podeis escuchar:
Ya estaba tardando en hablar de los Floyd. Para quien me conozca, le habrá extrañado que tardara tanto en poner algo de Pink Floyd, para quien no me conozca, decir que soy Floydiano hasta la médula. Mi primer post (supongo que no último) de Pink Floyd lo dedico a esta gran canción. Confortably Numb, situada originalmente dentro del álbum The Wallde 1979, es una de las canciones de este álbum que no sólo firma Roger Waters, sino también David Gilmour, es por esto por lo que Pink Floyd pudo seguir tocándola en giras posteriores después de la escisión problemática del grupo allá por los primeros 80.
Originalmente, la canción la compuso Gilmour para su disco en solitario David Gilmour de 1978, pero decidió no incuirla en este y cuando estaban grabando el The Wall, Gilmour quiso introducirla en el disco.
Por supuesto, Waters modificó la letra, adaptándola a la temática del álbum y ambos tuvieron bastantes discusiones sobre la forma de grabarla. Gilmour quería dotarla de un ambiente más duro, pero al final Waters prefirió abrir él la canción y el solo de Gilmour se usó en el álbum. Declaraciones de Gilmour para la revista Rock Compact Disc Magazine en Septiembre de 1992: "We argued over 'Comfortably Numb' like mad. Really had a big fight, went on for ages." (Discutimos sobre Comfortably Numb como locos. Realmente fue una gran pelea que continuó durante mucho tiempo).
La canción, por supuesto dentro del contexto del album, nos muestra la escena en la que el manager y un doctor entran a la fuerza en la habitación del protagonista del album (Pink) y lo encuentran totalmente drogado sin sentido. Como tiene una actuación esa misma noche el doctor le suministra un fármaco que, en teoría, lo revive, pero lo que hace es sumirlo dentro de su paranoia personal haciendole creer que es un dictador nazi. Waters describe en la letra una experiencia personal, tal y como hace en gran parte del álbum The Wall y en el siguiente album de Pink Floyd (y ultimo con Waters), The Final Cut. En concreto narra su experiencia cuando durante la gira del disco Animals en 1977 Pink Floyd tenía que actuar en Filadelfia, pero Waters no se encontraba bien. Un doctor fue a reconocerle a su hotel y le diagnostico dolor de estómago (lo que realmente tenía era Hepatitis). Para calmarle, le suministró unos sedantes y así pudiera dar el concierto. Durante el mismo, Roger sentía las manos adormecidas (numb) como si fueran dos globos (like two baloons) y además no era capaz de enfocar al público, pero se daba cuenta de que al público no le importaba nada de eso porque estaban muy ocupados gritando. Entra dentro de la temática general del álbum, el cual quiere mostrar el gran espacio que existe (según Waters) entre el público y los propios artistas en los grandes conciertos, hecho que hizo que Waters mostrara su genio más de una vez y que él mismo plasmó construyendo un muro real entre el público y el escenario en la gira del álbum The Wall durante 1980 y 1981.
En unas declaraciones dijo, "Fueron las dos horas más largas de mi vida, intentar hacer un show cuando no puedes casi ni levantar un brazo" ("That was the longest two hours of my life, trying to do a show when you can hardly lift your arm.") Musicalmente, os pongo las cuatro versiones de las que hablaba anteriormente para que juzgueis por vosotros mismos las distintas versiones. No voy a hablar más, aunque tengo más cosas que decir, lo dejo para siguientes posts.
Versión original del album The Wall
Versión en directo en el Delicate Sound of Thunder
Versión en directo en el P.U.L.S.E.
Versión en directo en el Is There Anybody out There
Vamos a cambiar radicalmente de género. Nos sumergimos profundamente en lo mejorcito del rock progresivo de mediados de los 70. En concreto nos vamos a finales de 1973 cuando se publica el álbum Selling England by the Pound de Genesis.
Para muchos, Genesis es Phil Collins, o como mucho, Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks. Pues bien, antes de este Genesis, hubo un Genesis con Peter Gabriel y Steve Hacket (y los demás también). Este es el Genesis del que hablo aqui, el verdadero Genesis, el Genesis progresivo.
De este álbum, mucho hay hablado y mucho se hablará. Para muchos es la obra cumbre del rock sinfónico o progresivo, encumbrándolo por encima de obras maestras del rock como el Close to the Edge de Yes o el Dark Side of the Moon de los Floyd. He elegido la tercera canción del disco, Firth of Fifth, porque para mi, refleja claramente lo que yo entiendo como rock sinfónico o rock progresivo. La canción comienza con una introducción magnífica a cargo del piano de Tony Banks, en las interpretaciones en directo esta introducción se omitía debido a que Banks no la tocaba a no ser que fuera en un piano de cola (Grand Piano) y éste era complicado llevarlo de gira con todos los demás teclados. En este enlace podeis encontrar la partitura de esta introducción. La melodia va creciendo en intensidad hasta explotar de golpe en el comienzo lírico de la canción con la frase de Gabriel: "The path is clear though no eyes can see" (El camino está claro aunque nadie lo pueda ver). Gabriel canta de forma magistral las dos primeras estrofas de la letra y cambia el ritmo para interpretar la parte de "The mountain cuts off..." , vuelve al ritmo inicial, canta "Undinal songs ..." y entonces empieza la parte musical del tema. El piano de Banks da entrada a un solo de flauta interpretado por Gabriel, cuya melodía te transporta hacia el medievo, sus castillos, sus bosques...
Continua Banks al piano y enseguida con los sintetizadores hacia la parte central del tema, envuelto por una batería magnífica de Collins y el bajo tocado, esta vez por Rutherford (hacia el minuto 5:10, notad la entrada de la guitarra de Hacket envolviendo el solo de teclado).
Cuando acaba el solo de teclados empieza el solo de guitarra interpretado magistralmente por Hacket, en el que vuelve al tema tocado por la flauta. Me encanta la forma de enlazar una nota con otra en la guitarra, me recuerda mucho a los magistrales solos de Gilmour con Floyd (Comfortably Numb, Dogs, Time) , notas enlazadas aumentadas y disminuidas constantemente. Según los expertos, uno de los mejores solos de guitarra usando el pedal de volumen. Al terminar el solo, Gabriel canta la última estrofa de la canción y ésta acaba con el piano en fade-out haciendo que la canción complete un ciclo imaginario. Hay que oirla:
Como curiosidad, su título. Antes de cada interpretación durante la gira, Gabriel contaba una historia, en su estilo teatrero característico. Esta historia era sobre un grupo de viajeros que estaban muriéndose de sed. Daban con unos cadáveres en el camino y como el cuerpo humano es un 75% agua, comenzaban a saltar encima de los cuerpos para intentar sacar el agua de sus cuerpos por la boca. Sin embargo, pronto se daban cuenta de que requería más energía intentar obtener el agua de esta manera que el agua que realmente obtenían. Justamente, se dan cuenta de esto mientras saltan sobre el quinto (Fifth) cuerpo.
En escocia existe un río llamado Forth el cual, como otros muchos ríos de escocia, desembocan en una ría (Firth), la ría es llamada Firth of Forth. Dado el origen escocés de Gabriel, al contar esta historia decía que las bocas de los cadaveres eran como rías (Firth), por tanto la última sería la Ría del quinto cuerpo (Firth of [the] Fifth [body]). Esta historia no tiene nada que ver con la letra de la canción, que fué compuesta casi enteramente por Banks.
Si no habeis escuchado nunca esta canción, por favor, hazedlo ya. Si lo haceis, escuchad la versión completa, unos 5 minutos, ya que Thin Lizzy incluyó en algún recopilatorio una versión más corta, de unos 3 minutos y medio, y claro, no van a cortar las letras, se corta el magnífico solo de guitarra de Eric Bell (guitarrista original de la banda).
Si vamos a hablar de Thin Lizzy, hablamos de Phil Lynnot, bajista de origen Irlandés nacido en 1949 y fallecido en 1986 cuando su cuerpo dijo basta de excesos. Thin Lizzy es Phil Lynnot al bajo, Brian Downey a la batería y una sucesión de guitarristas desde Eric Bell, Gary Moore, Scott Gorham, Snowy White, y un largo etc... En este enlace podeis ver la larga lista de componentes del grupo desde sus inicios en 1970 hasta la muerte de Lynnot y después de la muerte del mismo.
Bien, la canción que nos ocupa, The Rocker, fué incluida dentro del disco Vagabonds of the Western World de Thin Lizzy en 1973. Musicalmente, la canción la domina la guitarra solista de Eric Bell y destacan sus solos, no puedo comentarlos, hay que oirlos. En cuanto a la letra, Lynnot habla en primera persona de él mismo y se considera un tipo duro, un rockero.
Soy tu hombre si estás buscando pelea No voy a aguantar tonterías porque nadie es más duro que yo Si te pateo la cara pronto estarás viendo doble Hey pequeña, aparta tus manos de mi porque soy un rockero
I am your main man if you're looking for trouble I'll take no lip 'cause no ones tougher than me If I kicked your face you'd soon be seeing double Hey little girl, keep your hands off me 'cause I'm a rocker
Una chulería al más estilo americano de tipos duros, cuando oigo la letra, vienen a mi mente imágenes de James Dean ó Steve McQueen ( "Hey Baby,Got my cycle outside, you wanna try?" ) su estilo de duros y las chicas americanas de los años 50 haciéndoles caídas de ojos ( "She just looked at me and rolled them big eyes" ). Es una impresión personal, por supuesto. Para escuchar, The Rocker:
Hay muchos blogs y páginas que hablan de Queen. Uno de los grandes grupos de la historia del rock, otras muchas hablan de Freddie Mercury, su líder, cuya llorada muerte a manos del SIDA popularizó más si cabe este grupo británico.
Pues bien, yo os voy a hablar de una canción que no aparece en recopilatorios, no se tocó en directo (por lo menos en registros oficiales) y para el colmo, Mercury no tuvo nada que ver con ella.
Compuesta enteramente por el guitarrista del grupo, Brian May, éste la grabó en una sola toma en el estudio y sin el consentimiento de la banda al completo. De hecho, según los expertos, se pueden oir errores en el bajo de Deacon.
Sin embargo se hizo un hueco en el disco News of the World, de 1977, oculta entre exitazos como We Will Rock You ó We Are the Champions, para mi siempre ha sido una de mis canciones favoritas del disco y de Queen.
Musicalmente hablando, el tema es claramente un blues. De hecho, May dijo que se había inspirado en Eric Clapton para componer e interpretar el tema. Mucha, mucha guitarra al más estilo blues/rock. Lo único que le puedo echar en falta es un par de minutos más, siempre se me hace corta.
En cuanto a la letra, el tema habla de un muchacho de los barrios bajos cuyo único juguete es una trompeta y se pasaba todo el día tocando. Un buen día pasa una limusina y le dicen que si quiere tocar para ellos. Lo llevan a una habitación sin mesa y le dicen que toque la trompeta allí, él toca lo mejor que sabe y pronto tienen el disco del año, toca delante de millones de fans, pero de repente le dicen que ya no está de moda y que debe un millon de bucks así que vuelve de nuevo a su barrío pobre como era antes. May emplea un acento americanado para interpretarla, haciendola así más blusera, de hecho un detalle es la referencia a deber un millón de bucks en lugar de un millón de pounds.
Supertramp, grupo de rock/pop británico que tuvo éxito a mediados finales de los setenta, sobre todo en E.E.U.U. durante el movimiento hippy. Rick Davies (Teclados y voces) y Roger Hodgson (Guitarra y voces, sobre todo la voz tipo "falsete") lo lideraron hasta 1982 año en el que Hodgson abandonó el grupo. Davies consiguió sacar unos cuantos discos más como Supertramp, pero, en mi opinión, no es lo mismo sin Hodgson.
París, capital de Francia. Paris, disco en directo de Supertramp, grabado el 29 de Noviembre de 1979 en el Pavillion de París, un lugar que anteriormente fue un matadero, y publicado en 1980.
Aunque no es el propósito del blog, hablaré un poco del disco. Fue grabado durante la gira del Breakfast in America en el momento álgido del grupo y muchos fans y entendidos lo consideran más un disco recopilatorio que un disco en directo. Para la grabación del disco se utilizó una pista por instrumento y otra pista para el sonido del público, es por esto por lo que el sonido de las canciones es tan puro, tan distinto a los directos de otros grupos, si lo combinamos con una ejecución casi perfecta de las canciones y una labor de estudio bastante buena, produce un disco que puede ser considerado perfectamente un grandes éxitos recopilatorio.
He escogido esta canción dentro del disco, por su solo final de guitarra con efecto gua-gua, me encanta.
Musicalmente, destaca la guitarra, el piano, solo de saxo ( con John Helliwell haciendo de las suyas, todo un personaje ) , típico Supertramp. Las estrofas las canta Davies y el estribillo Davies y coro de Hodgson (Se nota la voz de falsete, verdad?).
La letra habla de que nadie más excepto yo mismo, vaya a mentir por ti, vaya a morir por ti, pero no parece que sea en tono romántico sino más bien en tono satírico. Si alguien comprende (digo comprende, no entiende) bien de que va la canción, sería de gran ayuda.
Lo dicho, lo que más me gusta es el último trocito de solo de guitarra con el gua-gua.
Nota curiosa: Si aguantais hasta el final de la canción, se oye el comentario de John Helliwellen Francés y en Inglés saludando al público de París.
En francés dice:
Bonsoir Paris! Bienvenue à une soirée avec Supertramp. Nous sommes très heureux de jouer à Paris. (Buenas tardes París! Bienvenidos a una noche con Supertramp. Estamos muy contentos de tocar en París.)
Y en inglés:
There's a few more people than in the Bataclan. They have remembered us. Play in Paris makes me feel very logical. (Hay un poco menos de gente que en el Bataclan (otra sala de conciertos en París). Nos han recordado. Tocar en París me hace sentir muy lógico.)
Mis tres primeras entradas en el blog son para tres grandes canciones setenteras/sesenteras, ya era hora de tener impresiones sobre una canción un poco más reciente.
Black de Pearl Jam, incluida dentro de su disco de debut Ten en 1991 (también podemos encontrar su versión en directo en el Live on Two Legs de 1998), es, a mi juicio una de sus mejores canciones.
La he considerado como balada ya que me parece una canción triste sobre un desamor, me recuerda mucho al que yo creo que es el disco más triste del rock, el Unplugged de Nirvana. Compuesta por el guitarrista Stone Goddar y el cantante del grupo Eddie Vedder, éste último le pone tal pasión a la hora de cantar que, tanto en la versión estudio como en la versión en directo, me ponen los pelos de punta.
Tal y como comentaba antes, la letra de la canción trata de un desamor, un poema dedicado a un amor perdido. Habla del espacio vacio en el que antes estaba el cuerpo de su amada, de que todo su horizonte giraba en torno a ella como la tierra gira alrededor del sol, de que todo su mundo se vuelve negro, de cómo de rápido se puede poner el sol, y el párrafo que más me gusta es el último, cantado de una forma desesperada:
I know someday you'll have a beautiful life, I know you'll be the star in somebody else's sky, but why, why, why can't it be,
oh, can't it be mine? Sé que algun día tendrás una vida bonita, Y que serás la estrella en el cielo de alguien, pero por qué, por qué, no puede ser, en el mio?
En cuanto a la música, no deja atrás la letra, comienza la canción con los acordes principales atenuados como si se oyeran en la radio (me recuerda mucho al comienzo del himno Wish you Were Here de Pink Floyd), el bajo da la entrada a la batería y comienza realmente la canción con los mismos acordes de base y entran las letras. Notad el piano realzando las notas cuando la letra canta "of what was everything?" o "tattooed everything", me encanta. Otro detalle es la guitarra eléctrica distorsionada enfatizando cuando la letra se pone más "pesimista", el tono de voz combinado con estas notas de eléctrica distorsionada le da al conjunto un tono más triste. El final lo marca la guitarra distorsionada y con un poco de efecto gua-gua, tocando las 7 mismas notas que canta Vedder haciendo coro. Espero la disfruteis:
A menudo me ocurre que hay ciertas canciones que no puedo separar, no las concibo como canciones distintas sino como una única. Me pasa, por ejemplo, con We Will Rock You de Queen, no la concibo sin We Are the Champions después, Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band y With a Little Help From My Friends de The Beatles, tengo más ejemplos, pero por no aburrir...
Este caso es otro de ellos, las tres primeras canciones del álbum Face the Music, de la Electric Light Orchestra de 1975. Me gusta siempre escucharlas las tres juntas, no individualmente, y conforman un todo que me gusta mucho más que las partes.
La primera de ellas, Fire on High, es una canción instrumental que empieza muy tétrica, con coro y orquesta de cuerdas. Tiene un fondo de 4 notas que se repiten constantemente. Además, la única parte vocal sin coro, es un mensaje grabado al revés. En la versión de vinilo, podías fácilmente escuchar el disco al revés y averiguar el mensaje secreto, en la versión CD, ya es un poco más complicado. Pongo un enlace al trozo de canción donde está el mensaje y otro al mismo trozo pero escuchado al revés:
Escuchando el extracto al revés, podemos oir, en inglés: "La musica es reversible, pero el tiempo (aqui se escucha fuerte la musica y no se logra oir lo que dice), dale la vuelta, dale la vuelta ..." ("Music is reversible, but time ... turn back, turn back...")
A partir de aqui el coro canta unos Aleluyas y la canción explota de sinfónica unicamente a una parte más rock con organo incluido. Una guitarra eléctrica entonces canta la parte central del tema y las cuerdas lo repiten. Después la guitarra acustica toca en acordes este tema central, y se van repitiendo estos temas hasta el final de la canción.
Empieza ahora, Waterfall, una canción mucho más vocal pero con arreglos de cuerdas también. L letra más o menos viene a decir que el amor es como una cascada, que te empuja arriba o te ahoga hacia abajo, pero que sin el poder que brindan tus amigos y tus amores no podrías seguir viviendo.
"Love is all, waterfall, love is what you are, Pulls you in, takes you down, it's a sad affair, But you know as you hold back the power there without the friends And lovers you could never go on living."
Después de Waterfall y esta vez sin pausa sonora, comienza Evil Woman.
Explosión sonora y el primer párrafo... "You made a fool of me, but this broken dreams have got to end". Entonces el piano toca los acordes principales del tema y se le juntan la sección rítimca y la guitarra eléctrica tocando los mismos acordes.
Después del segundo estribillo, hay un solo de piano acompañado de cuerda muy curioso.
Otra vez estribillo y el último verso. La canción acaba con un Fade out del estribillo. Os dejo los enlaces para que escucheis las canciones y me deis vuestra opinión:
Me atrevo con otro de los grandes: The Alan Parsons Project.
